Exposición Residencias A Quemarropa 2014

Joaquín Artime

Su trabajo parte de una obsesión autobiográfica por registrar todo aquello que le circunda o preocupa. Esto se plasma en instalaciones que tienen en común el despliegue archivístico de elementos de pequeño formato construidos con diversos materiales. En ellas presenta un especial interés por el residuo como elemento revelador de lo acaecido.



En cada ocasión busca un lenguaje y técnica que se adecúen al objeto de su estudio, estrechamente relacionado con un cuerpo herido/hiriente (el suyo), la memoria y la construcción lingüística de la misma.  El análisis de su cuerpo ha supuesto su accionamiento a través de la performance, la cual enfoca como un acto simbólico que materializa la incertidumbre interna que le azota. Su grabación en vídeo constituye el origen de la gran mayoría de sus piezas, en las cuales la pintura, el dibujo, la fotografía, el apunte y la escritura también son habituales.



En el último año se ha centrado especialmente en la palabra como signo que ha perdido su capacidad para comunicar u ofrecer diálogo.  Al no disponer de una fusión de horizontes, la comunicación se presenta como una meta inalcanzable, siendo de este modo imposible construir un discurso, ya sea hablado o escrito. Y es en este contexto donde el cuerpo se presenta  como ejecutor, portador y destructor de la palabra.

Sara Caballero

"Que cada cual siga enteramente, siempre y en cualquier parte, el impulso de su naturaleza, ya sea ésta limitada o genial. Sólo entonces el hombre sabrá lo que es vivir, en lugar de despreciar la vida sin haberla vivido jamás."



Alexandra David-Néel



Tras unos años de búsqueda personal, Sara Caballero llegó a la conclusión de que, como ser humano y para ser coherente consigo misma, debía  promover a través de su labor la preservación y respeto de la multiculturalidad, la cual considera en desuso y que es algo fundamental si se quiere llegar a una total comprensión de nuestros comportamientos como individuos. De ahí que su trabajo pese a estar basado en la producción artística, ya que encuentra en la percepción creativa la herramienta idónea para hablar desde lo más visceral, desde esa cordura que le hace expresar este malestar personal de la manera más honesta; a la vez se sostenga y se enriquezca de otras ramas tales como la antropología, sociología, historia o periodismo.

Pau Figueres y Clara Sánchez Sala

Pau Figueres inicia una práctica artística e investigadora planteando diversas cuestiones, dudas o incertidumbres sobre todo lo que se nos impone como modelo. Mostrando interés en plantear diversas reflexiones que inciten al espectador a desarrollar una visión crítica en contra de lo ya establecido e impuesto, valiéndose para ello de la ironía, el sarcasmo, la incoherencia reconocida, los sentimientos encontrados etc.



Clara Sánchez concentra toda la fuerza de su espíritu en la visión intuitiva, absorbiéndose enteramente en ella, y llena su conciencia con la tranquila contemplación de los objetos naturales, como un paisaje, un árbol, una roca, un edificio, o cualquier otro, perdiéndose en estos elementos, es decir, olvidándose de si misma como individuo y convirtiéndose en puro sujeto, en claro espejo del objeto.



A ambos artistas les une la inquietud por el entorno, interpretando y analizando la realidad que se muestra ante ellos, planteando diversas preguntas que incitan al espectador a entablar un dialogo con la obra, reflexionando acerca de este mundo y nuestra manera de construir y habitar la existencia.

Alicia García Núñez

"No echo de menos nada excepto el futuro".



Francisco Sarabia (gestor cultural, columnista: @diariodeunocioso)



"It would take more than a lightning-stroke



To create such a ruin".



The Colossus, Sylvia Plath



Artista visual y poetisa, re-estalece conexiones con palabras que devienen en un sistema visual de adición de componentes. Realiza combinaciones a partir de elementos cotidianos, en clave autobiográfica. El juego, la interacción -conseguir que se produzca-, la instantaneidad, la poesía en clave de cifrado autorreferente que contiene algo de manipulación implícita: la literatura es una re-creación, el lenguaje es la excusa. La comunicación es siempre el objetivo, si no se decodifica no existe. La parte que le interesa de la investigación es el mismo proceso, el resultado es sólo una consecuencia de éste, una más. Establece un sistema de series que tienen un común denominador: original y copia. Cuál es cuál ya es otra cuestión.

Félix Gilabert Chiquillo

Conseguir llegar al espectador con su particular visión del mundo es la misión que acaece al arte, esto significa que la creación no es más que la fusión o la destrucción de aquello que consideramos importante.



La visión de Félix Gilabert Chiquillo se encontraba nublada por el gran valor y satisfacción que otorgaba a las cosas que le rodeaban, los informativos y la publicidad le deprimían, con lo que consumía artículos para sentirse mejor, encerrado en un bucle que estalló al finalizar sus estudios.



Ahora sabe qué es importante para él y su obra trata de plasmar el muy bien programado sistema capitalista y la obsolescencia programada. Se expresa a través de los collages que crea tras las capturas de pantalla de las fuentes de información que Internet le proporciona.

María Moldes

A María Moldes le interesa experimentar con la fotografía, no le preocupa el con qué se hace, sino el qué resultado consigue. Está abierta a hacer fotografía con cualquier artilugio que caiga en sus manos.



Este último año se ha adentrado en la fotografía móvil, intentando sacarle el mayor partido a la proximidad y discreción que le permite, invadiendo muchas veces el espacio vital del sujeto a fotografiar, para conseguir más expresividad en sus capturas.



La artista persigue reflejar el lado más kitsch, junto al envejecimiento de la sociedad española, siempre desde un punto de vista surreal e irónico.

Ana Pastor

El enfrentamiento a tres importantes pérdidas personales ha marcado la obra de esta artista, que básicamente gira alrededor de la dualidad identidad/muerte, el ser y el no-ser.



Trabaja con el cuerpo/carne, el dolor, la superación del trauma por la muerte del otro y por la inevitabilidad de la propia en su asocio al enfrentamiento físico y emocional. Esto, vinculado a lo autorreferencial, son elementos y conceptos fundamentales en el desarrollo de sus propuestas formales. En sus últimos trabajos establece relaciones conceptuales entre sangre e identidad apelando a su dimensión psicológica y simbólica. Al trabajar con su propio fluido vital interviene al mismo tiempo como agente y material de su obra, que resulta en un "vanitas" o "memento mori" revisado y actualizado.



En cuanto a su aspecto formal, suele presentar las piezas de una manera aséptica, limpia, con una estética casi decorativa, propiciando un acercamiento amable del espectador. La sangre no mancha, no abruma, aparece casi siempre liofilizada. Así es como ocurre en nuestra sociedad, donde hemos perdido la capacidad de mirar a la muerte -y por lo tanto a nuestra propia naturaleza- cara a cara.

Elena Sevilla

La artista invoca a la felicidad con los dibujos; en otro tiempo imaginaba aparatos, artilugios, herramientas y soportes que le permitieran regresar a lugares donde, o siempre quiso ir o nunca abandonar.



Se sirve de los recuerdos para generar elementos que le hagan feliz. Purgativo era curativo, ahora Elena Sevilla genera mapas conceptuales que le digan dónde está: Rescata de su memoria momentos que quedaron como fotografías en su mente. Sucesos que ya no sabes si existieron realmente o los has inventado por extraños, dolorosos o impactantes. Un purgativo es aquello que te permite limpiar o purificar algo, eliminar lo que se considera malo o perjudicial. Una manera de eliminar aquello que duele por dentro, una forma de gritar y golpear, un vomitorio en el que desechar lo que sobra y a la larga se enquista. Ahora está depurando recuerdos de un pasado que la mayoría de las veces no ha contado, sus manos son el psicólogo que necesita y el soporte, el diván desde el que cuenta sus pesares. Utilizando distinta materia, desde acrílicos a ceras o rotuladores y sobre cartones maderas y papeles, va contando escenas de otra época que al final no están muy alejadas de los fantasmas y las anécdotas del resto de los mortales.

Senna Theuwissen 

"Trabajo con lo que conozco. (…) Comienzo conmigo misma y termino con el universo".



Tracey Emin



La biografía, por definición, es la historia de la vida de una persona o la narración escrita de ella, aunque la intención de Senna Theuwissen es hacer una narración plástica. Le interesan los momentos del pasado de la persona elegida, cuya identidad desarrolla a través de los rasgos propios del ser humano dando a entender que una persona tiende a ser ella misma y distinta a los demás. Pero también contraponiendo que el hecho de que ser alguien supone una fusión con la colectividad.



"(...) tales mutaciones de la subjetividad no funcionan sólo en el registro de las ideologías, sino en el propio corazón de los individuos, en su manera de percibir el mundo, de articularse con el tejido urbano (...) es la subjetividad individual la que resulta de un entrecruzamiento de determinaciones colectivas de varias especies."



Felix Guattari (2006). Micropolítica, Cartografías del deseo.



La reconstrucción es importante porque es donde se desarrolla la unión de las ideas para poder evocar recuerdos, para poder completar el conocimiento de un hecho.



El recuerdo y la memoria son conceptos esenciales dentro del trabajo de esta artista. Tratan la exposición de hechos, datos o motivos referentes a un determinado asunto.



"Todo está iluminado por la luz del pasado. Siempre está a nuestro lado, dentro, mirando hacia fuera."



Liev Schreiber (2005). Todo está iluminado



Dónde: Espacio Trapézio (Mercado de San Antón – 2ª planta – local 16, C/ Augusto Figueroa, 24)

Cuándo: del 15 de noviembre al 14 de diciembre de 2014

Cuánto: gratis